SETCHU
時裝設計不僅僅是關於衣物的創造，更是文化和身份的表達。Satoshi Kuwata，這位在國際時尚舞台上嶄露頭角的日本設計師，正是這一理念的實踐者。「從小我就對時尚如何傳達身份和文化感到著迷。在日本長大，我看到傳統服裝如和服不僅僅是衣物—它們體現了歷史、工藝和價值觀。這一認識激發了我追求時尚的渴望。」他在SETCHU的設計融合了東方的傳統與西方的現代，展現出一種獨特的美學和深刻的文化對話。「我從各種來源汲取靈感—自然、建築和人類情感，但特別是從傳統與創新之間的張力中獲得靈感。」正是這種古老與新穎的融合不斷推動着他創作。
Satoshi在保持忠於自我的願景的同時，對變化保持開放。「在如此多不同文化中生活和工作讓我擁有了廣闊的視野，但日本文化傳承仍然是我的品牌核心。日本對工藝、細節和極簡主義有着深厚的尊重，這在我的作品中得以體現。但同時，我也喜歡用當代文化及全球化帶來的影響來顛覆這些傳統。例如，我可能會應用精確的傳統裁剪技術，但以挑戰常規輪廓或材料的方式進行。這種結構與流動之間的平衡使SETCHU獨特—這是一種世界的融合，就像我自己的旅程。」他講述了設計風格的影響，同時亦強調，SETCHU的核心設計原則是平衡，這種平衡體現在東方與西方、傳統與現代、結構與流動之間。「我相信時尚應該具有情感影響力，但同時也要功能性和可穿著性。因此，我專注於裁剪，但以挑戰傳統形式的方式進行—無論是通過創新的剪裁還是意想不到的材料。對我來說，創造出不僅在視覺上引人注目，還具有更深層敘事和意義的作品是至關重要的。」他表示，「SETCHU不僅僅是一個品牌—它是文化和思想之間的對話。」
他講述最新的系列探索了玩味功能性和面料的價值，利用對摺紙和紙張的熱情，採用剪裁和裂口作為設計手法來創造新的形狀和物品。他提到，材料在設計中扮演着重要角色，通過將有機面料與高科技紡織品結合，探索質感和形狀的對比。例如，他使用delavè紙質牛仔布、脆棉seersucker和雙層紗這些材料垂墜並折疊成手工藝風格的蓬蓬裙，「目標是通過對比喚起和諧感，我相信這是SETCHU哲學的核心。」這也體現了他所說的他的設計「是為了創造一種新的穿衣體驗、使用和形狀。」但他也進一步表示，雖然每件作品都可以被視為藝術，但它們是為了穿着而創造的，讓人們能夠生活其中。最終，Satoshi希望這些設計能成為人們日常生活的一部分，激發對功能性與趣味性之間平衡的思考。「我希望穿著Setchu作品的人能感受到與其背後故事的連結，並反思他們與服裝的關係。在某種程度上，我希望我的作品挑戰時尚的界限，並激勵人們思考我們如何通過穿著來表達自己。」
被評選為“10 Asian Designers To Watch”之一，這讓Satoshi感到無比謙卑和堅定。他認為這是對他作品超越文化界限的肯定。他鼓勵有抱負的設計師：「堅持自己的願景，但也不要害怕進化。時尚是關於突破界限，但同時也需要深入理解自己的根源。這些元素的融合可以帶來真正強大的東西。像這樣的認可不僅僅是關於我—它還關乎持續進行傳統與創新之間的對話。」
GRACE LING
來自新加坡的設計師Grace Ling一直以來對藝術與設計充滿熱情，並將這種熱情轉化為她創作的重要養分。她坦言：「我從超現實主義藝術運動、純藝術、反烏托邦電影和科幻小說中尋找靈感。」這些多元的藝術形式不僅豐富了她的創作視野，也引領她去探索一種革新的時尚美學。她透露，在美術創作過程中，發現了可穿戴藝術作品的巨大潛力，透過先進的3D列印技術和電腦設計，並巧妙地融合了她對珠寶的熱愛，創造出獨特且前衛的設計作品。
Grace在紐約創立的品牌始終圍繞著賦予穿著者力量的理念。「我總是保持在正式與性感之間的微妙平衡。我的作品旨在成為永恆的，因此它們總是大膽、前衛和現代。」她的作品不僅僅是服裝，更是傳遞自信和力量的象徵。穿上她設計的服裝，人們往往會感受到瞬間的變化，她強調：「這一切都是關於人們穿上我的作品時的感受。我喜歡看人們試穿我的服裝，因為你可以看到他們試穿某件衣服的瞬間，變得不同。他們感到自信、感到強大，並覺得自己體現了最好的自我。一切都關乎剪影、剪裁和比例。同時也關於身體如何被遮掩或揭示，製作中的微妙之處和細節使一切變得不同。」
隨着品牌的發展，許多一線明星對她的品牌給予了強大和持續的支持。Grace指出：「我喜歡當其中一位明星穿上我的服裝時，他們將其帶入他們的藝術、音樂和表演世界。每當不同的人穿上這些作品時，它們都會賦予新意，我認為讓不同背景的人穿同樣的服裝是非常重要的。」這樣的互動不僅提升了品牌的能見度，更讓不同背景的人透過她的設計找到意義。顯然，她所創造的作品成功地引起了人們的共鳴，締造一種多元文化的交流。
「我非常榮幸能被選中參加這個活動。過去幾年中，有很多我非常崇拜的設計師也曾被選中，當他們聯繫我時，我感到驚訝和高興。」Grace對入選“10 Asian Designers To Watch”感到無比興奮，「我非常期待能與亞洲、香港和中國市場以及那裡的優秀創意人才建立聯繫，因為這讓我能夠進入我之前尚未深入探索的亞洲市場。」
KWK by KAY KWOK
時裝創意從來都與科技與工藝息息相關。香港設計師Kay Kwok一直以推動「數碼時尚」的發展為己任，他的個人品牌致力於探索3D打印技術及創新數碼材料的無限可能。今年，他受邀參加了World Skills Lyon 2024的閉幕儀式，向全球展示時裝設計的力量，並分享了虛擬角色融入時裝的願景。他透露：「我們正在探索更多將虛擬角色融入時裝的可能性，並計劃推出一些全新系列，結合科技與未來感的設計風格，重新定義虛擬與現實的界限。」
對Kay來說，時尚不僅僅是關於當下，而是對未來的預測與夢想的探索。「未來感是對未知的探討和對創新無限可能性的追求。」他深受科幻電影與未來城市想像的啟發，這份對未知的渴望促使他不斷突破傳統界限，尋找新材料與設計技術，為技術進步的熱情着迷。「我在倫敦時期的學習和在Alexander McQueen的實習經歷也給了我巨大的靈感——突破傳統界限，探索前所未有的材料和設計技術。我希望每一件作品都能體現出『未來即現在』的美學，帶給觀眾一種身臨未來世界的感覺。」
他認為，隨着數碼時尚的崛起，打破了物理世界的限制，讓時尚更具無邊界和包容性。結合科技的服裝不僅是創新的表現形式，更是一種全新的設計語言，挑戰了傳統對「時空」與「物質性」的定義。「我的設計理念是『探索未來自我』——透過虛擬和現實的融合，讓穿著者能夠在不同的數字空間中體驗自我轉變和身份的流動。這不僅改變了大眾對時裝的觀感，更為創造者提供了全新的體驗，去打破現實的限制。」
在過去11年間，Kay Kwok的品牌經歷了顯著的轉變，從一個個人風格濃烈的實驗性男裝品牌，蛻變為融合數碼與實體的前衛時尚中性品牌。「這個過程中，我學會了如何在堅持創新理念的同時，探索及開發屬於自己的市場。我感受到最大的改變是從專注於個人風格的呈現，到現在思考品牌如何引領未來時尚發展的責任。能夠一路堅守初心，並被全球不同文化的觀眾認可，這對我來說是一個非常鼓舞人心的旅程。」他希望穿着KWK作品的人能感受到自我表達的力量，並勇於挑戰固有形象。而透過與名人如Beyoncé及Björk的合作，他的品牌不僅收穫了更大的知名度，也表達了一種敢於突破常規、勇於做自己的力量。
他表示，被選為“10 Asian Designers To Watch”是一種極大的肯定與鼓勵，「這不僅代表我個人及團隊的努力，更是對品牌在前衛設計和未來時尚探索上的認可。能夠和其他亞洲的優秀設計師一起被展示，讓我感受到亞洲時尚設計力量的多元化。我期待通過這個展覽向更多觀眾展示我們對未來時尚的理解，並讓大家看到亞洲設計的創新與多樣性。」這不僅僅是一場關於服裝的旅程，更是一種對未來無限可能性和創新的不懈追求，展現了當代設計師對未來的深刻洞察。
MARKGONG
畢業於美國Parsons服裝設計學院的Mark Gong自幼對服裝設計有着濃厚的興趣，而這份熱情伴隨着他的時尚創意之旅。在17歲時，他在美國求學期間獲得了Oscar de la Renta的實習機會，這段經歷讓他對創立自己的品牌的想法更加堅定。最初，他利用空閒時間在sketchbook上勾畫自己的創意，並在寒暑假回國時尋找版師進行打版。「我很享受這個看見創作成型的過程。」在2018年，他正式創立了個人同名品牌。
說起創作靈感，Mark談到自己熱愛電影和電視劇，特別是其中的女性角色。他深入研究這些角色的心理變化與人物特徵，這使他對女性有了更立體的理解。「我覺得女性是多元化、多面性的，希望用我的設計語言傳達我對某一位女性的理解，詮釋她內心的不被廣知的那一面，帶給大家新的理解、新的視野。」他表示，「對我的設計最大的影響就是潛移默化地將女性的特質融入我的設計態度裏。」“Gong Girls”這一形象概念由此誕生，Mark形容，這些女性為「獨立自由、堅韌篤定」的新時代象徵，具有「真實、大膽、不羈、果敢」的特質，勇於打破世俗的規範。
Mark強調，希望品牌如同“Gong Girl”般不被定義，展現新時代女性的自由面貌與不羈態度。風格上，Mark Gong的作品融入了重工的縫線拼接、以喱士與緞面材質的柔軟交織、寬肩細腰的輪廓以及釘珠、花卉等手工縫製的設計元素，表現“Gong Girls”的不受束縛與真實大膽。2025春夏系列是以美劇《Sex and the City》為靈感的系列最終章，Mark決定深入探索角色Charlotte的矛盾：她表面優雅，背後卻充滿內心的掙扎。「蝴蝶結、花卉圖案和修身的裙裝構成了她的形象，但隱藏在這些之下的東西才是更值得探尋的。在我眼裏，Charlotte 被社會期望和個人慾望的衝突撕裂。她渴望擺脫束縛，渴望在自己的客廳裏瘋狂起舞，渴望質問她的婚姻，渴望在做妻子之外找回自我。」從這樣一個知名角色發掘她不為人知的內心世界，這種獨到的創意視角讓人印象非常深刻。
今次被選為“10 Asian Designers To Watch”的設計師之一，Mark竟感到有些意外，但他認為這不僅是對亞洲設計師的認可，同時也能激發彼此之間更多的設計思考。相信這位年輕設計師將在持續探索和創造的旅程上將愈走愈遠。
tanakadaisuke
在日本東京，Daisuke Tanaka是新一代備受矚目的時尚設計師。對於Daisuke來說，時裝的旅程始於一本封面印有傳奇時尚設計師Alexander McQueen的雜誌。「我是在書店裏找到的，當我翻閱這些頁面時，心中不禁想要複製那些服裝的細節。」他回憶道，「我喜歡那種既華麗又富有感性氣息的時尚。」這一個瞬間不僅成為了他職業生涯的起點，也啟發了他對時裝的深刻理解與探索。
談及2024秋冬系列的設計靈感時， Daisuke表示，他的創作根源於童年時期對各種事物的熱愛，包括動畫、珠子，以及與姐姐玩洋娃娃的回憶。這些甜美的記憶像是他創作的底色，讓他在設計融入了更多的情感和故事性。他透露，刺繡在他的作品中佔據着重要的位置。「我不會說印花是虛假的，但我傾向於認為刺繡是某種真實的東西。」他強調，選擇合適的刺繡技術來表達情感需要時間和耐心，這讓作品充滿了精緻的工藝感，「我在其中投入的努力和時間中找到了浪漫的感覺。」 Daisuke的理念讓人感受到時尚不僅是外在的表現，更是一種內心的情感流露。
Daisuke亦透露在2025春夏系列，tanakadaisuke以“Cloaked in mystery”作為主題，探索浪漫主義者與現實主義者之間的二元性，「我以海洋的神秘世界作為主題，嘗試新的表達形式，例如使用獨特的珠寶並在添加刺繡之前將其遮蓋。」他補充道，品牌的核心概念在於希望人們能探索一個尚未顯現的自我，「就像施了魔咒一樣。我相信這取決於我們能夠通過時尚傳達多少。」
對於今次入選“10 Asian Designers To Watch”，Daisuke回應說：「tanakadaisuke是東京眾多品牌中獨特的一個，因此被選中獲得這樣的獎項確實令我倍感振奮。」這樣的肯定不僅是對他作品的讚譽，也是對他不懈努力的最佳回報。Daisuke將童年的點滴回憶轉化為充滿回憶和故事的作品，並不斷探索自我與時尚之間的關係，讓他的每一個新系列，都是一次關於情感和創意的美妙旅程。
YA YI
創立於2022年紐約，YA YI是一個年輕的時裝品牌。來自西班牙的華裔設計師Yayi Chen談到自己的根源與時尚觀念的起源：「我出生在西班牙的一個華人移民家庭，從小在中餐廳長大，在歐洲那是個極為普遍的移民空間。我會從家庭相簿中提取很多設計素材：桌布上的暗紋提花，屏風裏的花鳥圖騰，窗簾和燈籠上擺動的流蘇，旗袍上的刺繡⋯⋯這些在照片裏已經泛黃的元素時常被運用在布料和針織的提花設計裏。」在紐約工作的經驗，亦讓她對另一個典型的移民空間—華人製衣廠，有非常深刻的印象。「因為工作需要，我接觸到大量中國移民勞工，在和他們的接觸中我了解到紐約紡織業的很多工人都是移民，其中一部分是拉美移民，講西班牙語，而另一部分來自中國的三大州—溫州、福州和廣州，他們大部分是上世紀中國改革開放後湧向海外的。在他們的空間裏，我常常有種時間停滯在上世紀90年代的錯位感。」她講述在這兩個空間，自己感受到一股凝固的東方意境，卻與一牆之隔的西方世界格格不入，也成為她成長中華人群像定格的畫面。「對我而言，對移民群體和空間的探索是一個很有意義的自我探索過程，既是對我個人成長軌跡的回憶，也擴展到對勞動移民群體認同的探索。」
歐洲，中國和美國，截然不同的生活方式和矛盾的價值觀讓她從小就學會了適應改變，「每更換一個居住城市我就需要經歷一次歸零重啟的體驗。從學習新的語言到能夠用它來創作是一個磨練身心的過程，我大概是在如此多變的環境下同時塑造了一股韌性和敏感。多元的成長經驗讓我可以在不同文化交會點上汲取創作靈感，而移民的認同讓我能夠站在第三視角去共感到生活中一些相對邊緣的群體。」也正是這些多元文化經歷，為Yayi的創作帶來充足養分。「對我來說探索傳統與現代、新與舊、東方與西方之間的碰撞最迷人的部分在於，不同文化和不同時代之間存在着許多意想不到的關聯。在每個系列的創作中，我們總能發現令人驚訝的跨文化、跨時代的靈感交織在一起。他們可能隱藏在布料的紋理和圖騰中，也可能在油畫的筆觸裏。每次的探索對我們來說都是對時尚邊界突破的機會。無論是服裝本身還是最終的跨媒材呈現，對我們來說就像是一場馬賽克的解構過程，打破再融合，重塑一副新的畫像。」
自從品牌創立以來，Yayi一直試圖透過跨領域的嘗試追溯自己移民身分的根源，試着打破傳統服裝與多元媒介之間的界線。從首發系列「一朵花，不是春」中透過電影視角探索華裔縫紉女工群體對勞工權益的抗爭，到「彼岸玫瑰」裏透過人體彩繪和沉浸式地現場表演呈現移民家庭因排華憲法而無法團聚的無奈，「很幸運可以透過每個系列和自己擁有相同背景的群體對話。」在2024秋冬「亂世之花」系列，她提取了西班牙傳統服裝裏大量出現的手鉤針喱士工藝，曼陀羅和手工編織流蘇元素，再將來自中國的香雲紗用於西式禮服的廓形當中。經過一系列研究，她發現曼陀羅工藝最初源自中國廣東地區，後傳到菲律賓，直至西班牙統領菲律賓後，曼陀羅才流傳於西班牙，成為了國家的民族符號。「這也意外打破我的認知，讓我進一步意識到移民和種族的流動帶動了這個世界的文化多樣性。」最新2025春夏系列 「靜謐絲語 Silent Threads」更是跨越了數個世紀，深入探索源自中國漢代的紙漿工藝，「系列重新詮釋材料中『軟』與『硬』的定義—用宣紙將女性的身體鑄型作鎧甲，或將金屬鋼紗織造成有機針織品，並重新想像了束身衣的挺括。」薄如蟬翼的「千年之紙」跨越時空，承載著悠久歷史的圖像和思想，將不同時空的人們無形地連結，「垂墜的花卉、絲帶和流蘇象徵著無盡的勞動和創作的努力。我們選用的布料既是對工匠們創作過程的致意，也是對時間的禮贊。」在未來，她期待在更多不同媒介進行更深度地跨界，透過服裝去探索一些特定時代和文化背景下的人物或群體，實現更多的創意可能性。
「這次入圍Fashion Asia的“10 Asian Designers To Watch”之一，我們團隊感到非常的幸運與榮幸！」Yayi分享道，「品牌創立之初的願景就是希望可以透過我們的創作將亞裔群體的集體力量凝聚在一起。因此能夠獲得這個象徵亞洲設計力量的獎項對我們來說也是對我們品牌願景的認同和鼓勵，一段非常有意義的成長體驗。」
RUOHAN
在這個不斷變化的時代，中國設計師Ruohan Nie認為「探索」是最能總結定義這一代人的關鍵詞。她的設計靈感源於旅行和文化藝術，這些靈感為每一季的作品注入了豐富的內涵。「這些承載着⽂化和藝術的服裝成為了講故事的主體，既具有豐富性，⼜令旁觀者感受到來⾃廣闊世界的訊息。專注於⾯料和精確的剪裁，希望⽤精妙的細節處理為⼥性打造出經典且有態度的⾐櫥。」她講述其設計初衷。
從Parsons服裝設計學院畢業，2021年她在紐約創立個人同名品牌RUOHAN，整體理念以時間作為宏觀的靈感，賦予設計跨越時光的詩意力量。「從細碎的細節到每一個系列，希望透過生活美學和服裝來啟發女性消費者的探索：⼀個永恆的⾐櫥，⼀個⽣活⽅式的載體，可以維持很久，可能⼗年之後再拿出這件⾐服可以想到⼗年前的⾃⼰在甚麼樣的地⽅穿過這件⾐服，但是⼗年後還是可以恰當⾃如的再⼀次穿上它。」
以「音樂是音符之間的沉默」為題的2025春夏系列，正是這一理念的體現。「每件服裝如同音符，每個動作都是一段旋律，而每個沉默則是引人深思的停頓。」展現無聲之美與和諧的視覺探索。系列圍繞「對位」主題，反思物體與結構、人與情感的關係，探索對比與共存的可能性。「直線與曲線、簡單與複雜交織在⼀起，創造出超越時尚的敘事。 ⾊彩逐漸從⿊⽩的對⽴轉變為柔和的裸⾊、沙⾊和⼤地⾊，最終呈現深海軍藍與璀璨⾦⾊。每種顏⾊都如同交響樂中的⾳符，反映思想與形態的演變。輪廓靈感源自於樂器的抽象形狀，探索正負空間的和諧與不和諧，精緻的褶皺與獨特的垂墜感表現出樂譜的複雜性。 ⾯料從⿊⽩霧面針織到⼿⼯褶皺的⾦屬感亞麻，形成豐富的質感交響，反映流動與形態之間的和諧。」
在這一場探索的旅程，Ruohan以簡約自然的設計語言講述關於時間的故事，帶來富有深意的時尚創意。今次入選“10 Asian Designers To Watch”讓她感受到「認可」，亦感受到品牌在亞洲及中國市場的強烈反響，「這不僅體現了我們在國際上的認可，也強調了品牌在亞洲和中國的深厚根基。」這種認可，將是她創作之旅的另一股驅動力，持續創作出動人心弦的作品。
JUNTAE KIM
來自韓國的設計師Juntae Kim無疑是當下時尚創意界那顆閃耀的新星。他的設計思維根植於多樣性的影響，並將這些影響轉化為一種統一的靈感。他提到自己受到了如學院風、龐克、嬉皮、自由和浪漫等關鍵詞的吸引，並以電影《Dead Poets Society》中學生對自由的渴望作為靈感來源，融合Vivienne Westwood的顛覆性信息，探索了解放的概念。「我認為將這些概念與歷史參考，甚至是我過去系列中的元素結合，並注入傳統服裝中，以塑造新的美學，具有巨大的價值。」
Juntae的品牌觀念圍繞着性別流動性進行運作。他的設計不再局限於男性或女性，而是恣意地在二者之間遊走，創造出可以讓每個人都感到自信與舒適的服裝。「我們利用女性化和男性化的概念作為風格的細膩表達，旨在讓我們的服裝提供多樣的表達方式。我們希望提供選擇，讓個人無論性別都能擁抱更柔和、更流動的美學，並探索反映他們個人身份的勇敢、果斷的風格。我們的目標是確保我們的設計迎合多樣的風格和偏好，以一種能引起每個人共鳴的方式慶祝自我表達的光譜。」對於Juntae來說，服裝不僅僅是布料的運用，更是對自我的表達和探索。「我們的設計故意不過於男性化或女性化，反映了我們的核心設計理念。我們已經從單純關注合身服裝的美感，轉向將這種優雅與實用性和舒適性相結合，同時保持輪廓。這種方法達到了完美的平衡，定義了我們品牌的本質。」
他在英國的學習經歷亦對他的設計風格產生了深遠影響。他通過研究西方的歷史服裝，如盔甲和晚禮服，自然而然地將其美學投射到自己的作品中。「我開始自然而然地將斜紋紡織品或歷史畫作的美學投射到Juntae Kim的標誌性作品中。經過幾個系列的演變，這些作品已轉變為視覺上更精緻的紡織品或圖形，是通過重新詮釋現有藝術而設計的，而不是完全從零開始創造，產生新的藝術形式。」
在他的2025春夏系列中，Juntae Kim以「新浪漫主義」為主題，向Vivienne Westwood的標誌性早期作品致敬。這一系列吸取了17世紀和19世紀的時尚靈感，「那時服裝經常被解構並重新構建，重新想像了Westwood傳奇的龐克和新浪漫風格。」藉由他的標誌性技術，如激光切割和聚集的斜紋和強調女性和男性身形的結構性束身衣，將經典元素進行現代化改造，形成了一種叛逆與優雅相融合的設計語言。「作為Juntae Kim對未來時尚的勇敢宣言，這個系列挑戰與性別、階級和身體尺寸相關的傳統美學標準，旨在突破既定的規範。」有趣的是，這種文化對比的基石，正是他品牌的核心理念。無論來自何地，人們都能在他的作品中找到共鳴，感受到那份別樣的熟悉感與驚奇感。
「我們從西方服裝中汲取靈感，但通過獨特的東亞視角重新詮釋它們。」他表示，「設計喚起了一種熟悉感，但又有著引人入勝的陌生感——就像傳統服裝的變形。對於亞洲消費者來說，這些設計可能感覺新穎，提供了一種他們可能未曾接觸過的風格的新視角。這種西方與東方感性融合的獨特而意想不到的美，正是我們品牌的定義。」而被評選為“10 Asian Designers To Watch”對他來說意義深遠，將為他接下來的創作之路注入更多的動力，他期待通過這些有意義的互動來塑造品牌的未來，持續探索時尚的更大可能性。
OUDE WAAG
在當今瞬息萬變的時尚界，來自成都的中國設計師Jingwei Yin將矛盾與日常生活的感受融合於時尚設計中，「我們把Oude Waag定義為一段關於矛盾的日誌式美學研習。」Jingwei表示，「每一季度的系列發布都是對當下幾個月感受或體驗的回應。靈感可以來自於某段經驗帶來的情緒，或是日常生活中引發我們共鳴的文字、聲音和影像。」
Jingwei坦言，在創作的初期，並不會有一個非常明確的方向，而是即興、有機地收集有趣的元素，並嘗試用時裝的語言進行轉換。隨着對素材的整理和編輯，自然而然地形成一些故事，最終通過時裝騷的形式呈現出來。「對我們來說，心靈、服裝和身體三者是互相依賴和牽制的共生關係。」Jingwei強調，時尚的語言是非常微妙的，每個人對它的感受都不盡相同。在不同的時期和環境下，時尚所釋放的訊息也會有所變化。「相同的材質在不同的身體部位會展現出截然不同的效果，這種關係非常主觀同時也是流動的。在適當的時間，把合適的材質放在適當的版型上，這或許就是時裝設計師日常面對的挑戰。」他指出，「這要求創作者對周遭的一切保持敏感的觀察和感受。」Jingwei回憶起自己過去在Haider Ackermann和Hussein Chalayan工作的經歷，給他最大的影響「是一種信念，對時尚的信念」。參與這些工作的時候他還是個時尚學生，他表示，「他們都是我心中的時尚英雄。當你親身經歷一個系列從草稿、樣衣、造型到最終時裝展的呈現時，你會發現那些曾經認為遙不可及的美麗，透過不斷的努力和團隊合作是可以實現的。」
「Oude Waag代表了對當下的紀錄與回應。」Jingwei這樣形容品牌的理念。正如2024秋冬系列「灼」以煙花為題，「煙火最早起源於公元前2世紀唐朝的中國，最初是使用竹子製作的火藥用於民間慶典的煙火，隨後傳至歐洲演變成為了武器。如同它演變的過程，煙火既是浪漫情懷與轉瞬即逝的標誌同時也成為了戰爭的幫兇。」而在最新2025春夏季系列，對當下的思考也反映在設計當中，「最近幾個月我自己最珍貴的一次體驗來自於參加一次基督教葬禮儀式。與一些民俗文化中對『死亡』的禁忌相反，我在這次體驗中得到了許多正面的精神能量，也對『去世』有了新的認識。期間了解到一首福音詩《靈魂頂寶貝》, 這便是這個系列的出發點。這幾個字代表了一種對於回歸內心，關注自我與精神世界的呼籲，我也希望用一種相較以往更輕盈和柔軟的系列來傳遞這種能量。」
Jingwei被選為今年“10 Asian Designers To Watch”的設計師之一。他的作品不僅是對當前議題、情感的回應，更蘊藏了對生活的深刻反思，為時尚界帶來新的視角。「非常榮幸能獲得這次展覽的機會，這是對我們一直以來工作的認可和鼓勵，也可以讓更多的人看到和了解我們。」
RAXXY
以米蘭和上海為設計基地，中國設計師William Shen在2020年創立品牌Raxxy，他與我們分享道：「沒有無緣無故的靈感。」在他看來，靈感的激發來自於不斷的思考，尤其是獨立思考的重要性。在Raxxy成立之初，他就選擇從羽絨外套的設計着手，是因為相信這一品類具備更大的設計潛力和商業價值，從競爭的角度來看，相對於其他品類，更容易在市場上脫穎而出。這個商業目標更為他打開了一個不一樣的創意世界。
William的作品帶來中國傳統文化與創新工藝結合，成為品牌重要的敘事主題。他提到明朝時期的絲綢之路。當時，中國的GDP佔全球近60%，而絲綢成為了貿易的重要載體。他指出，當時中國不僅擁有雲錦纓絲等高級的布料製造工藝，還是全球第一的刺繡大國，這些手工藝展現了中國匠人們無與倫比的創造精神。「今天我們要傳承中國傳統文化，傳承的不是結果。而是這種創新創造和工匠精神。Raxxy也正是被古人的這種精神吸引而做了非常多的思考，創造了多項服裝工藝發明專利，想要做的是，屬於這個新時代的中國非遺工藝。」
作為一個擁有數學背景跨界時尚的設計師，William對未來主義的理解有其獨特之處。他認為，數學代表的秩序和規律與時尚所象徵的浪漫和自由之間存在着一種平衡，「Raxxy是自由和秩序的平衡狀態。秩序對應在時尚表達上的規律性表達，是Raxxy未來主義的重要闡述。」透過數學角度，他將Raxxy定位於與傳統服裝不同的維新時裝，「它不像針織服裝是對於一維紗線的改造，梭織是對於二維平面布料的改造，而維新時裝是對於立體物體的改造而成，是升維的傳統服裝，開拓了時尚界新的巨大領域。」這是一種創新的視角，打破了時尚固有定義和界限，重新構想設計的維度。他表示，這一理念滿足了人們對未來服裝的思考和期待。
他透露，目前正在進行的2025秋冬系列的創作理念，將維新時裝工藝融入英倫風格，特別是對千鳥格和蘇格蘭格紋的全新演繹。William表示，這一系列的設計運用了全新的工藝和手法，讓這些經典圖案格紋在新的維度中生動地表達出來，「Raxxy的維新時裝是全球時尚體系的創新，它也同時可以表達任何風格和文化內容，只是我們表達的介質從先前的一維二維升級為三維出發的表達。」對於這些革新概念的時尚創作帶給人們的感受以及影響，他表示：「Raxxy的維新時裝其實是在客觀世界透過創造發現的一個新體系時裝，同時它又可以承載任何主觀的意識。這是非常有趣的事情，時裝總是輪回復古，究其原因，往前走是最難的，但今天Raxxy維新時裝走出了一片新的天地。」他相信，未來維新時裝也是可以走進每個人的生活，即使一開始大家會有所懷疑，但終究「人類對美的追求是永無止境的。」
Raxxy基於傳統工藝的尊重與創新，蘊含William個人時尚與數學思維交融，呈現獨特的時尚視角。「當代的時尚體系，主要是歐洲建立並起主要的推動作用。那麼在全球視野下，身為亞洲的設計師，我覺得我們需要做的，不只是代表地域文化的特色，或是跟隨歐洲體系的設計，我們更要做的是全球時尚體系的創新與融合。」他希望透過“10 Asian Designers To Watch”的平台，讓全球更多人看到亞洲設計師的創新，推動全球時尚及文化領域的交融與活力。
In Partnership with FASHION ASIA HONG KONG
Editor
Hiu Kwan FungCredit
Photo courtesy of FASHION ASIA HONG KONG
