在新冠肺炎的疫情影響下，人們的生活不再一樣。在前所未見的全球性疫情衝擊中，我們更要保持正面的心態，積極思考讓自己幸福快樂的方法。而在一片隔離的措施下，人們更多自處的時間，此時，音樂便成為重要的精神食糧，當中尤以清純悅耳的音樂特別叫大家注意，因為很自然具備一種治癒的能量。而若要數香港最具治癒能量的音樂人，Yoyo 岑寧兒當然榜上有名。
難得的是，Yoyo 集唱作於一身，形象清麗爽脫，性格率直純真，內外都散發着令人如沐春風的清澈魅力。雖然自小參加合唱團，但大學選修 Cultural Studies 的她，剛畢業並沒有立刻投身音樂行業，而是多作嘗試，在不同的演藝範疇探索，試圖透過不同體驗尋找屬於自己的未來。幸好她最終都選擇了音樂。
《VOGUE》HK：是何時第一次感到音樂給予你截然不同的感覺，讓你決定以此為事業？
Yoyo：其實自小已經很喜歡音樂，還參加了合唱團。到讀大學選修 Cultural Studies，其本質是甚麼文化範疇都可以成為主修，加上自己並沒有甚麼事業規劃，於是畢業後便決定甚麼工作都嘗試一下，希望從不同體驗中感受自己喜歡哪一樣工作多一點，到底工作時會覺得時間過得很慢，還是樂在其中。結果先後做過紀錄片場記及音樂舞台劇導演助理等，在做音樂劇的時候要做場記及翻譯等工作，還要為演員熱身唱歌甚至作曲，結果發現自己還是會被音樂吸引過去。在做着音樂時感覺很放鬆，又可以很專心和投入，於是漸漸覺得音樂工作是可以讓我發揮的範疇。始終工作或事業佔着人生很多時間，所以要挑選能讓自己投入的才好。
《VOGUE》HK：你曾說音樂是你的精神食糧，到底音樂給了你哪些別樣形式的藝術不能比擬的力量？
Yoyo：其實我是一個比較理性的人，所以對一些需要分析的藝術例如電影或畫作，很多時都未必立刻感受到作品裏面的情緒。但我對音樂卻特別敏感，大都能夠直接感受裏面想要抒發的情感，可能都是一種vibrations吧，音樂往往能夠波動我的心，令我感到開心或傷心，跨過了理性腦袋，感受感性。
《VOGUE》HK：第一首讓你有幸福感覺的歌是？
Yoyo：我大概兩歲左右便開始就接觸音樂，開始上學便參加了學校合唱團，由於就讀的是基督教學校，所以唱聖詩的多，我很記得當中一首的chorus是這樣的，“lord bless you and keep you and give you peace”，連續唱很多遍，至今當我想起這首歌的時候，心靈平靜，感覺 peaceful。另外一首則是母親（劉天蘭）特別寫給我的歌《常願意》，想表達永遠都在我身邊陪伴的感覺，在母親的歌聲下讓我有一種很特別很安全的感覺。
《VOGUE》HK：有沒有曾經被音樂治癒的經歷？可以和我們分享一下嗎？
Yoyo：其實我有很多被音樂治癒的體驗。但要說印象最深刻的一次，是現場聽台灣原住民歌手巴奈唱《你知道你自己是誰嗎？》，當時的感覺很 touching。它不是那種讓你逃避或聞歌起舞的歌曲，而是會讓你 engage 自己內在多一點，最後發現，原來我是這樣的，而我們通常忘記了自己是誰。我幾乎每次聽到這首歌都會哭；而由於實在太喜歡，於是自己也嘗試翻唱過。巴奈是唱作人，自己寫歌自己唱，歌聲充滿原始粗糙卻渾厚的感覺，是超越技巧但觸動人心，而且往往都在問生命最真的問題，所以力量很大。
另一位剛好相反的是 Lisa Fischer，她的唱歌技巧超班，贏過格林美獎，但最終因為不想被歌手事業的雜務干擾，索性專注唱和音的工作。她的歌聲發光發熱，像外星人一樣，讓你感到一種追求極致的職人精神。於是我每次聽她唱歌都會哭，光憑技巧便已那麼感人。
《VOGUE》HK：創作的過程對你來說也是一種治癒嗎？有沒有哪首作品有類似這樣的感覺？
Yoyo：創作寫歌的時候其實是一個像照鏡的 reflect 過程，我在問自己問題，然後想聽自己的答案。例如我寫《一秒》，這是一首非常難寫的歌，講創傷經歷，源於我親眼在現場目擊一宗車禍，一名女生不幸身亡，生命在一秒之差就消逝了。面對生命總會有的突發事情，我該如何面對？我想很誠實地寫下一些東西。然後希望在寫完之後，在世界的另一個維度或隧道的盡頭會有光在迎接她，並說，「啊！你回來了！」這樣便能安慰到我，也是一種治癒吧。
其實創作是幫助我去消化、理解及檢視生活裏難消化的事情，就像和自己的對話。我希望寫到的都能錄到，然後大家聽到感覺到。其實錄音室也像心理治療室，當你在錄音時感覺就是要將自己打開，然後把所有情緒都倒出來。我在錄音時常常很緊張，因為想快點錄完不會佔用太久增加成本。但有時你越想 good take 便越影響投入。所以我的錄音室同事總會找機會引我哭，因為他們說我哭完的錄音通常都 good take！
《VOGUE》HK：作為歌手，你要在錄音室錄音，也要在現場演唱，可否形容一下兩者的分別？你是更享受可以精雕細琢的錄音，還是即興甚至天馬行空的現場演出？
Yoyo：我是傾向現場多過錄音室，我第一隻大碟便是 live recording，到第二隻大碟則在錄音室創作，其實都幾好玩，因為所有參與的人包括混音都有創作空間，大家就像在做實驗，一路錄一路才決定如何演繹，而且時間比較充裕，大家可以 jam 來 jam 去，都會把自己想要的 take input 入去。而且你永遠不會知道聽歌的對象會在何時哪裏聽你的歌，所以空間很大。現場演唱則剛好相反，我們和觀眾都在同一時空，那種相聚又是無可取代的寶貴。其實我兩者都喜歡，監製則說我比較適合現場。所以就算錄音室錄歌時，當我想像面前有觀眾的時候，真的會錄得順利一點。
《VOGUE》HK：有關現場演唱，Bob Dylan 在獲悉得到諾貝爾獎後發表了一封公開信，裏面有一段他這樣寫道：「作為一個表演者，我曾為五萬人表演，也曾為五十人表演。老實說：為五十人表演，比為五萬人表演還難。五萬人只有單一的人格，五十人則不然。每個人都有各自獨立、彼此不同的特質，每個人都是一個小世界。他們能夠更清晰地感知一切：你到底有多真誠，它又如何反映你才華的深度，都會在這時候遭受考驗。」可否和讀者分享你的現場演唱體驗、難忘的經歷、和現場觀眾互動的心得等。
Yoyo：我很同意 Bob Dylan 所言，幾十人的演唱會是會緊張一點，到大台的場合則沒有那麼容易感覺到 connection。2019年我去東京一個細小的表演場地參加了一個有80名觀眾的演唱會，雖然只有45分鐘，但都出現了意想不到的事情。當我唱着《You & I》時，我感受到另外一種意義的 presence，險些唱不下去，看見台下有位觀眾，我可以看見他的眼，其實觀眾在聽歌的時候是會 send 一些 waves 出來，我便感受到他 waves。有時不一定要大聲驚呼的，但都一定會影響到我和當晚所有人的經歷。
當然，細小場地是比較輕鬆，大製作也有好的地方，例如音樂的 presentation 會grand 一點，燈光也會多姿多采一點。其實如果燈光打得好的話是會感動到喊，都是一種視覺元素吧。這些在細的 live house 便做不到。
