WZ: Adam 你好，我們可以聊聊你的成 長背景嗎?
AP: 我成長在美國中南部叫 Richmond 的城市，它的文化比較特別，是個處於南 部和北部之間的老城市。我成長的時候它正在轉變期，從較為安靜的城市走向現代化。16歲時，我提早兩年完成高中，碰巧那時候，家人有朋友在意大利開了一個藝術學校，然後我就趁着這個機會到意大利讀了兩年藝術。那是很有趣的經歷。
WZ: 你是那個時候才立志要當藝術家? 還是自小就是你的夢想?這一切又怎麼開始的呢?
AP: 從小我就知道自己要當藝術家，從來就沒有別的想法，不如說不做藝術家也不知道自己能做甚麼別的。小時候很喜歡去美術館看展覽，Virginia Museum of Fine Arts 是美國南部最大的美術館，包含各藝術時期的作品。例如 Sol LeWitt、 Andy Warhol、Anselm Kiefer、Gerhard Richter、Lee Krasner…… 也令我在思考，這些到底是甚麼?要知道， 對一個小孩子來說，這些作品呈現的 visual 和意象都非常特別又陌生，和每天 在電視上看到的東西不同。當你投入去了解它們，理解當中的歷史背景，它們實體地展示了 60 到 90 年代的意念。那些藝術家如何注視當時周邊發生的各種事情，他們又如何對此反應，甚至如何整理 …… 這一切都很吸引我。接下來到了紐約後，很快，我 21 歲的時候，迎來第一個重要的個人展覽機會，在Manhattan 一家很好的畫廊 Yvon Lambert 裏認識了Sol LeWitt，他更收藏了我的作品。回看一個人過去和現在的作品，當然是有關聯。現在回看自己 16 歲的作品，也能找到之間的關係，我還能看出我每個動作的手法，和現在作品微妙的聯繫。
WZ: 在紐約這些年，經常和外界交流時運用一個“Black Dada”的概念，可以說說這概念具體指甚麼嗎?它是如何發展起來的?
AP:“Black Dada”源起於2008年，很多人都想要知道它到底是甚麼，但它具體是甚麼，我也沒有答案，也沒有人能給出一個答案。它是關於語言的運用，一個關於視覺的項目，是概念性的。到近十年它佔據了我的思緒，比起它是甚麼東西，我認為比起問自己「Black Dada 能做甚麼」，更要去問「它看起來怎樣，像甚麼」。我每張畫作、每件作品都在回應這個我最根源的問題，都是“Black Dada” 會看起來如何。它長怎樣的，同時也是它在世界裏的作用，就是它能引起關注，帶人進入它特別的語言和思想裏。
WZ: 可以說是一套思想，讓你突破傳統媒介架構，創新的多元藝術概念?它不限制你的創作手法和媒介，你認怎樣適合表達你的意念，就怎樣創作?
AP:也是的，“Black Dada”是關於自由的，不拘泥於藝術表現方法。它是關於創作和概念上的自由，它就是要打破規範，從而不能被定義標籤。
WZ:你的創作形式很多花樣，由 collage、繪畫、影片、到行為藝術……甚至還出了書-《Black Dada Reader》。書裏集合了一些為你帶來的啟發和有影響的文章和文本;你曾說這本書是一個嘗試，試以書本方式存在的 collage。所以，“collage”這個概念是你創作的一個要點嗎?就是無論你用哪個媒介，你也看待成 collage 一樣?或者用 collage 的手法處理各種媒介?
AP: 也可以這樣理解，但是我覺得自己更傾向於繪畫創作，是畫家。雖然常常會 提起我早期的 performance 作品，但我也十幾年沒做了，這些年來都是繪畫為主。
WZ: 你的創作重心有很多圖像，例如早期用上Sol Lewitt的《Cubes》雕塑一角的相片，反覆影印至本身圖像也消失，再在上面加上文字來創作屬於你的黑白繪畫。這帶來一個問題: 近期的作品也有使用照片，你是如何選擇圖像呢?
AP:圖像肯定是重要的，早期的“Black Dada”畫作是常用現成圖片(found image)，慢慢到最近用的圖片都是來自我自己，在工作室裏產生的圖像。而且每個作品啟發自不同的議題，所用的圖像不同，整個系統也不一樣。我現在更傾向於繪畫出圖像而非使用照片。
WZ: 對你來說“過程”是否很重要呢? 例如反覆影印等動作是否重要的一環，在 你的作品中含有特別的意義?
AP: 不是的，最終的畫作對我來說才是最重要的。我不是「過程」和行為派別的。我傾向於「它就是它」的想法，我做了甚麼，然後這就是結果。藝術是關於行動的，是要去嘗試和反覆的實驗。這種好奇驅使我行動起來，每個動作都是有意識去做的，是為了達到最終畫面才會做的動作，而不是單單由過程主導作品。過程是重要，我畫畫時每一個動作都是在嘗試，我會想如果這樣做，會發生甚麼結果?那樣又會達成怎樣的畫面?是挺實驗性的。說到機器，可能我自己就是那台為了我的創作服務的機器。
WZ:那你如何看現今的科技呢，AI很快就能生成一堆堆的圖像、畫面?
AP: 時代一直都在變化，藝術是要從傳統方法裏繼續前行，久而久之走出新的道路來，慢慢也會變成新的傳統。都是一個循環，想起也挺有詩意的，恆久的回望和變更。同樣我也這樣看待我的創作，看看之前繁重的草稿、改動，我不是在創造圖像，我在創作畫作，我希望作品能夠給觀眾一個親密的體驗。
WZ: 你是說，當觀眾欣賞你的畫作時，他們腦海裏產生各樣的想法，和你的作品產生連繫，這過程很個人的?
AP: 絕對是的，我們其實常常都在回應身邊的各種事物，就像生活中的邂逅和互動。好像街上擦身而過的陌生人一樣，你對他沒有任何了解，但有時會產生很多的聯想 ……這樣很有趣，但也就是人性，我們常常都對外界事物充滿好奇和想像，而我們的反應都各不相同。
WZ: 那你好奇他們怎樣想像你的作品嗎?
AP: 哈哈，不會，我不是要讀心⋯⋯只是知道人們看到事物會有所反應就好，我也不需要控制他們如何、何時、為甚麼反應。我展示我的作品，像送出一個邀請，在說:「我想邀請你和我對話，但我不會主宰談話的內容」。
WZ: 有些藝術家也是用文字為題材，比如Christopher Wool，你如何理解他們呢?
AP: 這很有趣，有位藝評人在我21歲首個展覽的評論中，說從我的畫作裏能看出 Christopher Wool的影響，同時間又是一套完全不一樣，屬於我自己全新的東西。藝術家之間互相影響，但最終目標是創造新的東西，創出新的思維。我會說我是在做一種新的抽象，一種以語言文字為主，探討語言和其中精髓；是一種非語言的抽象。
WZ: 那你的作品中，文字從原本的文本裏抽離出來，不再以文字存在而是你畫面的一部分。你會如何處理文字和畫面的關係?是互補?或是互相角力的關係?
AP: 我把文字看成形狀，線條也是形狀，而文字亦然。你想像一下，例如中文的象形文字，以線條、形狀、動作等指示其意思。我亦同樣這樣看待文字。當然，我不同系列的畫作裏有些是有文字，有些沒有；但我覺得當中都有一定的視覺效果，我認為是在塑造一套視覺文化。每個藝術家都在創造自己的視覺文化，而它們就進而影響我們如何了解文化，這是最重要的。
WZ:你認為亞洲的觀眾會容易理解你的作品嗎?歐洲可能也容易一點，文化背景較貼近。雖然現在都全球化了，但比如香港，語文和文化還是完全不一樣。
AP:這帶來另一個問題「抽象是否一種共通的語言」?因這就是我的作品裏要研究的問題，從來不是要拿甚麼代表甚麼東西，而是討論抽象的表達和重現事物兩者的關係。文字不是僅僅語言上存在，它是抽象的存在。畫作上是有文字，但它拒絕被閱讀。那我的作品怎樣與觀眾溝通呢?我認為它希望觀眾進入當中的視覺空間。其實我反而覺得亞洲文化更能理解文字作為視覺工具，不同文化背景的觀眾自有他們的一套理解，去「閱讀」我的作品。
以前每次說起Adam Pendleton的作品都好像有種說不清楚來龍去脈的感覺，他把自己探討相關議題和文字變成他畫作中的啟始元素，從而用繪畫的手法探討「抽象」這概念。把文字從意思中抽離，讓字型和圖像結構成為畫作構圖的初步部分，就是把開始的圖像或者文字，通過繪畫的手法拉回到繪畫的最根本-視覺；在不同的文化背景下，視覺和人類的共通感知，通過繪畫的抽象手法延伸出不同的感官衝擊。
WZ:你認為亞洲的觀眾會容易理解你的作品嗎?歐洲可能也容易一點，文化背景較貼近。雖然現在都全球化了，但比如香港，語文和文化還是完全不一樣。
AP:這帶來另一個問題「抽象是否一種共通的語言」?因這就是我的作品裏要研究的問題，從來不是要拿甚麼代表甚麼東西，而是討論抽象的表達和重現事物兩者的關係。文字不是僅僅語言上存在，它是抽象的存在。畫作上是有文字，但它拒絕被閱讀。那我的作品怎樣與觀眾溝通呢?我認為它希望觀眾進入當中的視覺空間。其實我反而覺得亞洲文化更能理解文字作為視覺工具，不同文化背景的觀眾自有他們的一套理解，去「閱讀」我的作品。
以前每次說起Adam Pendleton的作品都好像有種說不清楚來龍去脈的感覺，他把自己探討相關議題和文字變成他畫作中的啟始元素，從而用繪畫的手法探討「抽象」這概念。把文字從意思中抽離，讓字型和圖像結構成為畫作構圖的初步部分，就是把開始的圖像或者文字，通過繪畫的手法拉回到繪畫的最根本-視覺;在不同的文化背景下，視覺和人類的共通感知，通過繪畫的抽象手法延伸出不同的感官衝擊。
Photographer: Dean Isidro @Defacto
Stylist: Seppe Tribassi
Editor
William Zhao
